Como saben, este viernes es ya nuestro 1ER FORO DE CORTOMETRAJES DE LA BANDA. Estamos sumamente emocionados e impacientes. Reiteramos a todos los realizadores que compartirán su trabajo y estarán presentes el día del foro. Si aún no sabes quienes son, acá les contamos un poco sobre los cortometrajes participantes y sus realizadores:
Entre los trabajos que exhibiremos se cuentan Dimtu da Tare y Strangeree, del realizador Alejandro Martínez del colectivo BRAILLE PARA SORDOS; colectivo interesado por la expansión del conocimiento, abiertos a la colaboraciones dentre de cualquier forma de experimentación sonora, visual, audiovisual, arte-objeto, performanc, etc.
De Mariana Reyes y Tonatihu Mercado, quienes conformanEnsambla2poetar que en búsqueda de la expresión poética, trabaja con poesía mutidisciplinaria en las artes escénicas (cine, teatro, danza, interacción con el público, performance, video, multimedia, etc), se presenta Mi mismo, trabajo que los llevo a participar en el Zebra Poetry Film Festival, Berlín 2010.Ellos, junto con Sheps Nurko, conforman Producción de Lunes Apocalípticos, y nos comparten Un puta puta puta puta de lo pior, cortometraje presentado en el Festival Internacional de Bataclán, 2011.
Esteban Azuela de ViuMasters, colectivo dedicado a la animación, exhibe Ventosa, animación comisionada por el Festival de México. Poducudo por AXOLOTE y animado también por ViuMasters, presentamosXochimilco 1914, corto que se hizo gracias a la convocatoria de apoyo a Productores Independientes del Canal 22. Fue proyectado en Expresión en Corto, Guanajuato, ganando el premio a "Mejor Animación Mexicana" y una Mención Honorífica en "Animación Internacional". Del mismo colectivo, Carlos Gamboa nos comparteLas fugitivas de Ûberwasser, animación comisionada para el Festival Animasivo, 2011.
Diego Alberto Baez Salazar, estudiante de 9no semestre de la carrera de diseño y comunicación visual con orientación en multimedia y producción audiovisual por parte de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la UNAM, presentará Cambio de rumbo del 2011.
En el foro, también contamos con al presencia de la comunidad gay con una producción de Anal Magazine: Fractal de director Daniel Catillo Reynoso.
Así que ya saben, nos vemos el viernes 7 de octubre a las 6pm.
1. Por si no lo sabía, es un hecho más que consumado que este viernes 7 de octubre a partir de las 18hrs se celebrará el 1ER FORO DE CORTOS DE LA BANDA. Todos los detalles y chismes pueden checarlos en la ventana correspondiente en este blog o dando click AQUÍ.
Les recordamos que contaremos con la honorable presencia de los realizadores para satisfacción de su morbo cinematográfico. Contamos con su asistencia, y prometemos muchas sorpresas.
2. Con la intención de mantener nuestra propuesta cinematográfica fresca y seguir manteniéndolos al borde de sus butacas, durante el mes de octubre estaremos trabajando en una reestructuración de nuestras actividades.
Agradecemos el apoyo e interes que nos han ofrecido a lo largo de estos primeros y cinéfilos cinco meses, y esperamos seguir contando con su entusiasmo. Sigan pendientes de nuevas noticias.
Estamos a dos funciones de concluir con nuestro ciclo Reminiscencias... y en para su penúltima proyección los invitamos a disfrutar el 21 de septiembre con el suspendo de la cinta Memento (también conocida como Amnesia, a pesar de que a lo largo de película nos aclaran una y otra vez que la condición del personaje principal no es amnesia)dirigida por Christopher Nolan —quien también es responsable de la también onírica y de reciente estreno: Inception.
Flaquito y tatuado
Memento, estrenada en 2000, cuenta una peculiar forma de narrativa que rompe con la linealidad temporal, lo cual nos sumerge en una estado onírico del tipo de pesadillas que NO queremos olvidar, aunque tengamos que hacer uso de fotografías y tatuajes como el personaje principal, Leonard, interpretado por el decadente Guy Pearce. La película también cuenta con la actuación de Carrie-Anne Moss que seguro reconocen por su papel de Trinity en The Matrix.
Trinity en Amnesia (seguo por trabajar en un bar)
En esta ocasión, compartiremos con ustedes un breve ensayo de uno asistente y amigo del CineClub Tzikbal. Esperamos lo disfruten y nos acompañen el próximo miércoles 21 de septiembre para conversar sobre está película. Para los que no hayan visto la película, les advertimos que lo que sigue puede revelar partes importantes del trama. Acá su trabajo:
Repetir y creer: análisis semiológico del tiempo y la memoria en Memento
Para el científico del tiempo J. T. Fraser, el tiempo es un síntoma o una correlación de la complejidad de la estructura y el funcionamiento de la materia. Es decir, la percepción del tiempo permite a los seres humanos establecer una relación entre la experiencia de vida y los fenómenos físicos del mundo sensible. En mayor o menor medida los seres humanos en general percibimos el paso del tiempo y desarrollamos estrategias para organizar nuestra existencia, ¿pero qué ocurriría si los dispositivos que nos permiten tener conocimiento del flujo temporal fallaran, si viviéramos atrapados sin memorias en un efímero y discontinuo presente? Un acercamiento cinematográfico a esta experiencia la encontramos en el film Memento, dirigida por Chistopher Nolan (2000). La ondulante trama de la cinta gira alrededor de Leonard Shelby (Gay Pearse), un ex investigador de pólizas de seguro, quien sufre amnesia enterograda -padecimiento neurológico que le impide adquirir y mantener recursos a causa de un mal funcionamiento de la memoria a corto plazo-. Para orientar su vida diaria y mantener la trama de su existencia, Leonard idea un complejo sistema mnemotécnico basado en tatuar su cuerpo con mensajes y premisas fundamentales para recordarle su empresa vital: vengar la muerte de su esposa “violada y asesinada por John G. “. La investigación constante de pistas y señales de Leonard es apoyada por Teddy ( Joe Pantoliano) quien aparece constante y sorpresivamente en si vida para guiarlo siempre con una sospechosa sonrisa.
El suspense colma la cinta. La memoria y el tiempo son la clave de este film. Para el espectador, armar el rompecabezas del efímero representa un reto tentador. Formalmente, el film expresa un montaje sesgado en el que los efectos de cada escena son el resultado de una escena anterior. Es decir, el tiempo narrativo esta invertido; el montaje muestra una relación efecto-acción. Sin embargo, el espectador tiene un apoyo narrativo lineal -acción-efecto- para no perder el hilo de la historia, el cual consiste en escenas cortas en blanco y negro en las que Leonard narra por teléfono a un interlocutor desconocido la historia de Sammy Jankins: un desafortunado personaje que sufrió el mismo padecimiento que él y no pudo ordenar su vida, en consecuencia lo recuerda continuamente para de este modo mantener su cordura y afinar sus estrategias memnotecnicas: tatuarse instrucciones, notas, hechos y premisas; todo una guía sin la cual no podría cumplir su empresa. Así mismo, el director intercala en el film escenas de efecto-acción y escenas acción-efecto para incrementar el suspense y reforzar la impresión de sesgos temporales entre la narración y el espectador.
Por otra parte, el film estrecha la distancia entre el protagonista y el espectador por medio de constantes close up que siguen constantemente la mirada de los protagonistas y sus interlocutores a la manera en que Leonard lo hace en el film, pues su memoria sensorial encuentra en las miradas los espejos del alma tan valiosos para reconocer y distinguir amigos y enemigos. Mas aun los constantes planos subjetivos involucran la percepción del espectador al verismo del film y a la mirada de Leonard desde la primera escena.
Finalmente, cabe mencionar que un componente un tanto velado pero presente en el la película se encuentra en el juego de verdad/mentira que Leonard y Teddy sostienen: Leonard reconoce intuitivamente a Teddy como amigo siempre que aparece, sin embargo su sistema memnotecnico lo señala como un mentiroso en el que no se puede confiar. Al final tanto para el espectador como para el protagonista conocer la verdad que ordena la existencia y empresa de Leonard se desquebraja; Teddy es asesinado por Leonard quien prefiere desdeñar la verdad de sí mismo y abrazar la gran mentira que anima la imaginación y tensión del espectador.
Con este buen preámbulo hacemos la extensa la invitación para que nos acompañen el próximo miércoles 21 de septiembre a las 6:30pm. Recuerden que Cooperativa Tzikbal está ubicada en Pabellón Copilco: Eje 10, local B 225, 2do. piso, frente Superama Universidad. Cuota de recuperación: $15 por función o 4 sesiones por $50.
Por ultimo, les dejamos el trailer de la película:
¡Sigamos haciendo del cine un acontecimiento INOLVIDABLE!
Queridos cineadictos, como saben, nos encontramos inmersos cual buenos roncantes en nuestro ciclo Reminisencias, propuesta de exploración cinematográfica de los sueños y la memoria, queeste miércoles14 de septiembre -además de llegar como alfombra roja para lo que pinta como un largo puente patrio-, tiene para ustedes un guiño con la animación a través de la cinta de Satoshi Kon, Paprika (2006).
Dance!!!
Paprika está basada en la obra homónima del escritor de ciencia ficción japones Yasutaka Tsutsui (quien fue incluso censurado por atacar temas como la monarquía de su país), y es citada por Christopher Nolan como una de sus influencias al realizar Inception. Debemos señalar que considerando los referentes en el campo del ánime que más sencillamente encontramos en nuestro país (piénsese en una línea de Astroboy, pasando por Saint Seiya hasta quizá Dragon Ball), Paprika es de una tesitura batante menos halagueña a la vista. Mucho tiene que ver en ello la temática preferida por Kon: la disolución de la barrera entre realidad y en este caso, sueño. Y es que Kon retoma elementos de Philip K. Dick, quien además de ser el creador de Blade Runner (basada en ¿Sueñan los androides con ovejas elèctricas?)aborda temáticas como la paranoia, la esquizofrenia y el abuso de substancias.
He aqui una muestra de una serie de Kon igualmente twisted...ignórese la música que le añadieron.
Paprika de esta manera tiene sus coqueteos con lo grotesco y francamente perturbador, y aunque ésta imaginería no llege a ponerse en el centro de la obra,ofrece un interesante descenso en una faceta de los sueños que los acerca más al horror que a la romantización de la que usualmente son objeto: las pesadillas. Añádase el macabro hecho de que para la banda sonora se utilizó un programa especial diseñado para imitar el canto humano.
Recuerden que Cooperativa Tzikbal está ubicada en Pabellón Copilco: Eje 10, local B 225, 2do. piso, frente Superama Universidad. Cuota de recuperación: $15 por función o 4 sesiones por $50. Los esperamos el miércoles 14 de septiembre a las 6:30 pm... muajajaja!
Es un personaje de ficción, pero no se puede tener todo".
La Rosa Púrpura de El Cairo
¡Changos!
Tras el éxito de Annie Hall (1977) y Manhattan (1979), Woody Allen se encontraba en la cúspide del cine, tanto que se esperaba su siguiente trabajo como un acontecimiento. Al estrenarse Stardust Memories en 1980 parece anular las pasiones que Allen había despertado. Se definió el film como un acto de narcisismo, egocéntrico y vanidoso, para algunos, un "suicidio artístico". Con la distancia de los años, Stardust Memories se ha convertido en una de las películas más valoradas para los fans de este viejito genio-neurótico, así como de sus obras más personales. Sobre la controversia del trabajo de Allen, continua y continuará; cada uno de sus estrenos —suficientemente seguidos para que la crítica siga hablando— causa un alboroto y divide las opiniones. Más claro ejemplo de lo anterior, su última película: Midnight in Paris (2011) que además de ser ya la obra más taquillera del newyorquino ha desatado opiniones violentamente —¡sí! violentamente sobre todo en platicas de borrachera— encontradas.
Pero no es Midnight in Paris la cinta que veremos en la próxima función de CineClub Tzikbal, aunque seguramente hablaremos sobre ella. Hemos escogido para ustedes Stardust Memories por considerar que se inserta de forma más precisa con nuestro ciclo Reminiscencias... Entre sueños y memoria, además de guardar una estrechísima relación con8 ½ de Federico Fellini que disfrutamos la semana pasada.
Fellini es el padre directo de Stardust Memories —así como también lo es Ingmar Bergman de otra cinta de Allen: Interiores (1978). Allen utiliza es estilo cinematográfico de 8 ½, tanto en la iluminación y lo musical, y hace una adaptación americana con él en lugar de Marcello Mastroianni. En otras palabras, Woody Allen aprovecha la estructura narrativa y estética de 8 ½, cambia los miedos de Mastroianni-Fellini por los suyos y recupera la alternancia sin nexo de unión entre sueño y realidad al puro estilo surrealista de Fellini.
Los invitamos a disfrutar esta joyita de Allen el próximo miércoles 7 de septiembre a las 6:30pm. Y... sí, en cuanto atractivo físico, seguro ya pensaron que Allen poco favor le hace a Mastroianni, pero ¡no se preocupen! Stardust Memories cuenta con otras bellezas como la de Charlotte Rampling que puede enamorar a varios tantos con esta escena:
Sobre todo si te gustan las histéricas
Cooperativa Tzikbalestá ubicada en Pabellón Copilco: Eje 10, local B 225, 2do. piso, frente Superama Universidad.Cuota de recuperación: $15 por función o 4 sesiones por $50.
Les dejamos de regalito unas cuantas frases clásicas y harto diverdidas del maestro Allen y ¡los esperamos en la función!
"En una ocasión me raptaron. Mi padre se puso enseguida en acción: alquiló mi habitación"
"No le tengo miedo a la muerte... simplemnte no quiero estar ahí cuando ocurra"
"Para el ejército me declararon inutilísimo. Si hubiera una guerra yo sólo serviría de rehén"
"El mejor anticonceptivo es que le digas a una chica que quieres hacer el amor con ella y te diga que no"
Sabemos que ya se estaban preguntando por la segunda parte de esta entrada, pues: ¡Acá está!
Retomando el ciclo “Música en el cine, Cine en la Música” y anticipando que hemos llegado a su plato fuerte (Mr. Bob Dylan), nos gustaría comenzar hablando un poco de la divertidísima cinta The Boat that Rocked. Lo indicado a nuestro juicio es, como fue el caso del cineclub, ver esta cinta en compañía de camaradas, de preferencia rockeros. Básicamente, the boat genera un ambiente de fiesta permanente que hace mover los pies al ritmo de the Kinks, The Beach Boys, The Who, The White Stripes, y demás.
Dance all day and all night!
Como fondo la película plasma el interés de una generación por la defensa de sus ideales tomando a la música como ícono de dicha defensa; práctica que en la Aldeita global que nos ha tocado habitar, donde al estar todo permitido y abierto al desapego absoluto, la rebeldía de la juventud ha sido a menudo reducida a la apatía. Pero vaya, que la música en los 60’s significaba algo más, cosa que Mr. Bob Dylan pone en primer plano.
Y es que como dijo Bruce Springsteen sobre Bob, si Elvis nos enseñó que podíamos liberar nuestros cuerpos a través de la música, Dylan nos enseñó que podíamos hacer lo mismo con nuestras mentes.Im not there no es ni una película musical, ni biográfica en un sentido clásico. Tood Haynes, el director de este film, toma a Bob no como una persona, sino como una figura, y a partir de este abordaje se permite descomponerlo en sus muchos matices. Por ejemplo, pese a que Dylan es blanco y realmente no sabemos mucho de su infancia, en una de las sub historias de la cinta, se nos presenta como un niño negro. Esa elección dista de ser casual, quizá de hecho resulta más coherente dicha representación para el joven Dylan, influenciado por la música negra, e identificado con su lucha tanto racial como de clase, cuestiones ambas que pueden apreciarse en su canción The lonesome death of Hattie Caroll.
¡Christian Bale lo hace fantástico!
En lo que respecta a la cuestión de género, no hay mejor Bob Dylan que Cate Blanchett. La elección es también coherente con la etapa del músico que representa, y es que Cate es la Dylan rockerona: never sad, never tired, never guilty. En esta etapa, Bob, tras haberse volcado hacia afuera, hacia lo político, se vuelca ahora hacia sí mismo, como objeto de discurso y de satisfacción (mujeres, drogas, rock), con un imago muy claro y muy erotizado que lo lleva a romper de manera violentísima con su pasada audiencia, y con la crítica especializada, a la cual maneja con una gracia de domador de leones.
Take that Mr. Jones
Marca sobre todo una ruptura consigo mismo, que creemos se muestra a través de las actuaciones de Heath Ledger y Ben Whishaw. El primero, nos da un atisvo de las conflictivas relaciones amorosas de Dylan, especialmente dos, la amante y la esposa, quienes son curiosamente representadas por la misma mujer Charlotte Gainsbourg. Esto último muestra otro juego del director con la identidad personal, separando en dos funciones antagónicas a la misma mujer, ninguna de las cuales tiene su happy ending con el protagonista, quien en algún momento se avienta la puntada de decir “I worship women… everybody should have one”.
Ben Whishaw por otro lado, plasma al Bob Dylan poeta, el de las letras capaces de liberar mentes, y el conflicto de un hombre con su obra y la coherencia con la misma; el artista que produce al margen de la felicidad, ¡sufre vaya!, como si prefieriera su obra sobre su vida… posición que no es sostenible indefinidamente. Cuando se supera el límite, sólo queda el regreso… ¿a qué? Richard Gere nos muestra a ese Dylan un poco harto de sí mismo, y por sí mismo nos referimos a todos los Dylan: harto de la protesta social, de la poesía, del rock, de las mujeres. Un Dylan que se recluye huyendo de sus identidad en compañía de perros y caballos.
7 sencillas reglas en la vida para esconderse
7ma: never create anything, it will be misinterpreted.
Creemos que el título I´m not there alude no sólo al flagrante hecho de que Dylan mismo nunca sale, sino también a la idea de que tampoco podemos delimitar al personaje -o para el caso a nadie- a ninguna de las facetas que se nos muestran en la cinta. Los invitamos a elegir el Dylan de su preferencia, a ver y re-ver esta cinta, y a no perderse ninguna de las funciones de este su cineclub.
Seguimos con nuestro ciclo Reminiscnecias... entre sueños y memoria,y el próximo miércoles nos sentimos honrados de proyectar para todos ustedes una de las más grandes películas de uno de los más grandes directores y guinonistas del neo-realismo italiano: Federico Fellini y su 8 ½.
Fellini (1920-1993) usó como material de sus películas la vida, los sueños y la no-línea que los separa, así como recuerdos de su infancia y de sus mujeres. Mucho podríamos plasmar acá sobre sus películas, su vida y su guapo actor de cabecera: Marcello Mastroianni. Pero, preferimos dejar todo eso para la platica pos-proyección en Cine Club Tzikbal, sobre todo porque ésta es una entrada especial ya que cuenta con la maravillosa coolaboración de la blogerísima y bellísima AGUAMALA o medusaque nos comparte este texto sobre Fellini, ¡disfruten!
Después de la intensa y conflictiva relación que mantuve con Pier Paolo Pasolini durante la universidad, no creí que me enredaría tan fácilmente con otro italiano. Tenía un apetito voraz de algo asiático y muy posmo: Ese cine de luces magenta. Pero la cinefilia como adicción es caprichosa, y si alguien saca de su cajita de drogas la mezcla adecuada, sólo puedes engancharte. Y miras. Miras hasta que tienes demasiado, que es lo que pasa con el cine y con los hombres.
Tal vez esa extraña fotografía con la escena de “Y la nave va”, que por algún misterioso motivo, colgaba de la pared de la cafetería de Filosofía y Letras, a donde tantas veces fui buscando chilaquiles y teoría psicoanalítica, me estaba dando algún tipo de señal. Tal vez, el ocaso de un amor largo y poderoso, anunciaba, como premonición, que llegarían los días de un diciembre que fue más cálido que de costumbre y que instaló en mi vida una atmósfera peculiar y citadina. Cierta estética. Cierto estado al que podría llamar novelesco o quizá, onírico, o cinematográfico, pero para usar la palabra correcta, debería de decir que esas fueron para mí, semanas fellinescas. Así, que aún en mis veintes, a finales del año en el que no vi la mar, me encontré brutalmente acribillada, flanqueada, por la precisa y escandalosa obra de Federico Fellini, todo él. Todos ellos.
El acecho psicomágico, mi necesidad, mi búsqueda, se volvió una obsesión disfrazada de dulce acompañamiento vespertino. El ciclo planeado por la Cineteca Nacional y el Instituo Italiano de Cultura, transformó mi enésima crisis en un paseo cinematográfico por mis debates y arquetipos. Pero, en fin, para eso es el cine y para eso es el arte hasta cierto punto. Lo que es extraño, lo que es sórdido, es que vida y pantalla entraron en complicidad sincrónica y, acompañada de “ellos” de casi todos ellos, comenzaron esos que he llamado, mis días de ocho y medio.
Se que mordí el anzuelo porque nombraron la muestra como Tutto Fellini y yo tenía ganas de aprehender un lenguaje, de verlo todo, de ir de cabo a rabo de una manera de ver el mundo, de gastarme una mirada completa, una pasión. Fui a Fellini con el afán de hacer complicidad, que es lo mejor del amor, de hacer un puente entre él y yo; (ÉL Y YO) y entonces comprender que era posible para mí, que no había sido una oportunidad solitaria que había perdido para siempre por no saber mantener una relación. Fui a Fellini para darme cuenta de que podía seguir participando en la construcción de lo íntimo con alguien.
Todos ellos, por supuesto, son los hombres equivocados para casi todo lo práctico en la vida, y no porque lo sean para todas las mujeres, el ajedrez imperioso de las ciurcunstancias me tiene en un lugar comprometido y no, resulta que no, que por el momento toda abdicación es imposible, que las cosas no pueden ser simples y que no se puede más que jugar duro. Ninguno es para mí aunque todos sean un poco míos.
Calladamente y de vez en cuando, espero que haya marcha atrás y la cultura me perdone. Me pregunto asustada si en verdad no habrá un hombre para mí y si eventualmente dejaré las fellinadas por los cuentos de hadas, pero de un tiempo para acá, por las heridas y los bares (y las películas), no puedo conformarme con tan burdas prioridades. Sé que parece que hablo con soberbia pero no ha sido una conclusión calculada sino consecuente de mi historia. Y justo ahí, el origen de esta coincidencia con Giudo, con Fellini: Tuve miedo de no ser capaz de una historia y me puse a buscar una, especialmente, con los implacables métodos del inconsciente, que pueden ser desesperados y que por ser contundentes, luego dan mucha risa. La vida se me había vuelto muy escasa de inspiración y de deseos, esas cosas que no hacen mucho ruido cuando se marchan pero su ausencia es honda y paraliza.
Ocho y medio: Me tiras el tarot, bajas con una chica insípida y perfecta la escalera de la sala de cine con tu sonrisa de niño para saludarme, me miras con anhelo, te presento a Hernández, me besas por la noche, me dejas tu escenario, me dejas tu escritorio, me dejas, me muestras el infierno que sí tiene luz roja, bailas conmigo, te robo el libro que olvidaste en la cantina, me hablas duramente, andamos por la calle, te hago el desayuno, miramos un show que me conmueve, me das regalos con culpa, vamos al cine, me lees un cuento de Bolaño, tenemos sexo tántrico, cocinas para mi, me tomas de la mano, desapareces, me buscas, me miras bailar, hacemos planes, me dices cosas horribles, vamos a ver a Von Trier, sabes que eres un machista, me escribes, me dices que me extrañas, te digo lo que pienso, hacemos el amor en la ventana, me llamas borracho, me llevas al museo, te llevo al museo, une semaine de bonté, me besas en la boca, me besas toda, discutimos, vamos por unas chelas, me hablas de Rilke, dejo mis cosas en tu cuarto, me declaras tu amor frente a todos, Nina Simone, te vas con otra, vemos el paisaje de alcohol y pólvora, no me llamas, hacemos el amor, me quieres libre, me quieres para tí, me quieres hoy, me rechazas, fumamos, me cantas, tocas el piano para mi, quieres escribir conmigo, quieres vivir con otra, tuve el sueño del Rey Salomón y preparaban todos juntos la cena navideña, te lo cuento, Patti Smith, llego a tu casa, estás enamorado de mí, estoy enamorada, estás contento, estás celoso, hacemos el amor en la cocina, cantamos en el auto, el agua es más bella despeñándose, bebemos mezcal, vamos al jazz, vamos a ver a Fellini, tutto, tutto Fellini.
F I N.
Cómo quisiera poner aquí lo que nos pasa, lo que hacemos, sus nombres como guía psicomágica, como mapa en mi existencia, sus psicopatologías que empatan tan eficazmente con las mías, pero ya me muestro demasiado y no podría narrar toda esa intimidad por el pudor de lo inmediato y lo reciente, toda esa posibilidad, que por eso es bella y por eso, también, un poco dolorosa. La avidez de tinta cede, pues de mi Fellini y los suyos han habido curiosas consecuencias en blanco y negro, (negro y blanco) entre otras, éste y muchísimos otros-inútiles-poemas, al que por cierto, no se cómo nombrar; así que si quisieran sugerir un nombre o les gusta el que se me ha ocurrido, tengan la bondad de comentar.
Los esperamos el próximo 31 de agosto a las 6:30pm enCooperativa Tzikbalpara ver y comprender como que nuestra querida Medusa sientió tanto y tan fuerte con la joyita de la cinematográfia que es 8 ½ de Federico Fellini. Y si sus palabras no les es suficiente para apartar ese día y acompañarnos, ¿qué tal la escena memorable del bailecito de La Saraghina?. Bailen también:
Agradecemos múchisimo la coolaboración de AGUAMALA que también estará presente en la proyección para compartinos su amor por Fellini y más cosas. Pueden leer más sobre ella en su blog, acá:http://aguamala-omedusa.blogspot.com/
Recuerden que Cooperativa Tzikbal está ubicada en Pabellón Copilco: Eje 10, local B 225, 2do. piso, frente Superama Universidad. Cuota de recuperación: $15 por función o 4 sesiones por $50.
Una función más del ciclo Reminiscnecias... entre sueños y memoria, la cuarta de este ciclo que abarca los meses de agosto y septiembre. Aprovechamos esta pequeña entrada-invitación para hacer notar algo que ha estado presente —inconscientemente— en las películas que hemos proyectado hasta ahora: la presencia de marionetas y sus titiriteros.
Inauguramos el ciclo con Being John Malkovich de Spike Jonze, en dicha cinta un titiritero descubre la entrada a la mente del actor Malkovich y logra manipular su cuerpo tal como lo hace con sus muñecos. Cosa bastante aterradora y divertida especialmente en esa escena donde logra mover el pesado y calvo cuerpo de John después de tener sexo con la también "manipuladora" Catherine Keener. Luego, en La doble vida de Verónica de Kieslowski nos topamos con otro personaje titiritero, que al final talla dos marionetas de las dos Verónicas; en el debate de esta película llegamos a considerar que es él quien, con su habilidad de titiritero, elaboró toda la "realidad" de las bellas y similares muchachas: un titiritero con el divino poder de la creación. Con Eternal Sunshine of the Spotless Mind de Gondry, esta presencia no es tan evidente, pero se puede vislumbrar la imagen de una marioneta no-manipulada en esas escenas donde Jim Carrey quiere detener el proceso de borrado cerebral sin poder moverse.
Pero ¿por que todo este asunto de las marioneras-titiriteros ahora? Bueno, pues porque la película que proyectaremos el próximo miércoles 24 de agosto, Sobrevivir a la vida (teoría y práctica), es dirigida por un titiritero de profesión. El checo Jan Svankmajer es —ademas de impronunciable— artista gráfico, escultor, diseñador, poeta surrealista y amante del teatro de marionetas. Abiertamente ha mencionado que le produce harto placer controlar el destino y los movimientos de esos muñecos de madera y trapo. Svankmajer traslada su habilidad titiritera del teatro al cine usando la técnica del stop-motion, logrando movimiento como este:
Amor con platina
Amor con carne
Sobrevivir a la vida es el quinto largometraje del realizador —otros son, por ejemplo, sus adaptaciones de Alice y Faust. En una pequeña introducción que incluye la película, Svankmajer bautiza su cinta como una "comedia psicoanalítica". Psicoanalítica porque uno de los personajes es psicoanalista, y respecto a la comedia, agrega que no encontraremos mucho de que reír; también nos cuenta como es que imaginó y se animó a hacerla:
"Una mañana me desperté de un sueño y yo pensé que era como el comienzo de una película. Así que lo escribí dándole un final. Siempre quise rodar una película donde el sueño se mezclara con la realidad y al revés. Porque, como sabemos, tan sólo la unión del sueño con la realidad puede crear la plenitud de la vida humana. Lamentablemente, esta civilización no cuenta con los sueños, ya que no se pueden comercializar..."
Esta cinta fue estrenada y proyectada en el último foro de nuestra Cineteca Nacional, fue tanto el éxtasis que provocó (en la teoría y en la práctica) —y muchos los que no pudimos verla— que era indispensable proyectarla en Cine Club Tzikbal. Debemos mencionar que Jan Svankmajer está abiertamente comprometido con el movimiento surrealista, que su trabajo —iniciado desde los años 60´s— se compara con el de grandes artistas surrealistas como Max Ernst, Salvador Dalí y Marcell Duchamps, y que para Tim Burton es un pilar de referencia, así como también lo es para Terry Gilliam.
No cabe duda de que durante esta función encontraremos humor negro, erotismo, manipulación de los objetos de uso cotidiano y juegos oníricos entre la realidad y la fantasía, todo eso a través de una animación basada en marionetas, fotografía de actores en lugar de actores, y mucho stop-motion que nos dejará con muchas reminiscencias que compartir.
Los esperamos mañana, 23 de agosto a las 6:30pm en Cooperativa Tzikbal(Pabellón Copilco: Eje 10, local B 225, 2do. piso, frente —o atrás según se vea— de Superama Universidad). Cuota de recuperación: $15 por función o 4 sesiones por $50.
Bienaventurados los olvidadizos, pues superan aun sus errores.
F. Nietzsche
Would you erase me?... Esta es la pregunta que se formula fantasmalmente en la cinta Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)—Eterno resplandor de una mente sin recuerdos en español. Dirigida por Michel Gondry y escrita por Charlie Kaufman, duo bastante identificable en el mundo cinematográfico. Al primero, el francés Gondry, lo conocimos como director de videos musicales, sobre todo de clásicos como el Human Behavior de la extraña belleza Björk y los legos divertidamente movidos en el rolon Fell in love with a Girl de The White Stripes. En ellos, Gondry maneja una narrativa, color, movimientos de cámara y la creación de una atmósfera que muestra la visión estética gondryana totalmente reconocible. ¿Quieren verlos? Acá se los dejamos:
Por su parte, el trabajo del guionista Charlie Kaufman —y recientemente también director con Synecdoche, New York (2008)— tiene un sello que lo distingue (y a la vez iguala consigo mismo). Inconscientemente, nuestro ciclo Reminiscencias... se inauguró con una película escrita también por Kaufman: Being John Malkovich. En ella, pudimos notar ya ciertas características clásicas de los guiones de Kaufman: la presencia de una estructura desestructurada, así como la mezcla y confusión entre realidad y ficción, por ejemplo con la presencia del "real" Malkovich como personaje del film.
El duo Gondry-Kaufman se antoja casi natural y obvio— aunque su primera colaboración, Human Nature(2001), no fue nada celebrada–. Los guiones de Kaufman necesitan la visión cinematográfica de alguien como Gondry para atrapar al espectador en un mundo que asemeja a la vida onírica, aspecto que se logra bella y perturbadamente en la película que veremos el próximo miércoles, 17 de agosto, en CineClub Tzikbal: Eterno resplandor de una mente sin recuerdos.
Esta cinta, reconocemos, ha sido ya bastante vista y programada en diversos cineclubes, pero resulta imprescindible para nuestro cicloReminiscencias... entre sueños y memoria.Dará, sin duda mucho de que comentar, discutir y soñar en nuestro debate. Sin más por el momento, sólo resta invitarlos a no perderse esta cinta —protagonizada, por cierto, por Jim Carrey y Kate Winslet— y dejarles la rolita principal de su soundtrack a cargo de Beck para que se animen más y se les retuerzan las entrañas de llanto y decepción a-morosa:
Los esperamos a las 6:30pm en Cooperativa Tzikbal (Pabellón Copilco: Eje 10, local B 225, 2do. piso, frente Superama Universidad). Cuota de recuperación: $15 por función o 4 sesiones por $50.
Durante el pasado mes de Julio, Cineclub Tzikbal tuvo el gusto de ofrecer a sus cineadictos el ciclo “Música en el cine, Cine en la Música”. Si bien, proyección a proyección hemos parloteado sobre el lazo que a nuestro entender une ambas temáticas, nos hemos quedado con las ganas de reunir todas estas reflexiones sobre el ciclo, película por película, y qué mejor que con una entrada en nuestro bienamado blog, haciendo de paso un recuento de lo compartido con todos ustedes dueante el mes pasado. Pensando en nuestro slogan para este ciclo: “escuchar el cine y ver la musica”, ahora los invitamos a leer algo sobre su intersección.
Nuestra primera intención, fue presentar una relación menos evidente que aquella usualmente ofrecida por los muchos ciclos con esta misma temática: no presentar ni ficciones musicales, ni musicales propiamente dichos... ni The Wall, de Pink Floyd. Y es que la música es un elemento narrativo presente en todo cine, incluso desde las dinosauricas proyecciones de la época muda, la musicalización jugaba un papel no poco importante en la experiencia de ver una película. La tecitura emocional de muchas cintas está apoyada en mayor o menor medida en los acordes que la acompañan, provengan estos del instrumento que provengan. ¿Nos preguntamos si por ejemplo el emperador de la Guerra de las Galaxias sería tan amenazante sin la cancioncita que lo acompaña? ¿Cómo sabríamos en qué parte de las peliculas de Disney llorar? No obstante lo eficaz de este mecanismo, hollywoodense a más no poder, pareciera tratase sólo de poner a la música al servicio del cine... a menudo en detrimento de ambos. La otra cara de la moneda, son aquellas películas en que la trama parece un mero pretexto para ponerse a cantar, agitar las manos de manera extraña y usar vestuarios extrafalarios (Moline Rouge, Grease, Glitter por ejemplo).
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Cuando pensamos en este ciclo, quisimos salvar nuestras almas de ambas tendencias, en que a fin de cuentas ningún diálogo se establece entre estas dos formas de producción artística: cine y música. Nuestra intención al seleccionar las películas para este ciclo, fue explorar una relación de iguales entre ambas disciplinas, en que no se privilegiara ninguna; buscamos presentar un cine en que se tomara en serio a la música, sin usarla directamente como tema, ni como muleta emocional, y en que además, la musicalización fuera excelente (rock and roll!!!).
Para cortar el liston tuvimos nada más y nada menos que a Nimrod Antal, con su filme Kontroll (al parecer el único respetable en su haber... también hizo Depredadores), que narra las peripecias subterraneas de un grupo de empleados del metro húngaro encargados de verificar que los usuarios efectivamente tengan boleto. Más allá de la belleza de Bootse y Ezster Balla (tema que abordamos en ESTA otra entrada), la selección de música electrónica que en todo momento acompaña las escenas (escenas de lo más dinámicas y divertidas por sí mismas) fue hecha específicamente para la película, y representa un soundtrack de lo más recomendable, salvando el hecho de que los nombres de los diferentes tracks son húngaramente ilegibles. Sobre la película en sí, resulta interesante que haya sido grabada in situ, buscando presentar lugares que los usuarios del metro generalmente no vemos (los túneles, los megaventiladores, etc.). La película se desarrolla en todo momento bajo tierra, ilustrando simbólicament la condición del protagonista, que vive un descenso alegórico permanente en que su identidad y la dimensión de sus actos comienzan a escapársele... hasta ser rescatado por una mujer vestida de osito. Otro punto a destacar es el peculiarísimo humor de los húngaros: humor negro en serio, a menudo obsceno, persistentemente pesimista, pero solidario a su manera.
Para muestra....
Hablando de humor negro, The Leningrad Cowboys -Los Vaqueros de Leningrado- vaya que también tienen lo suyo, aunque con un estilo bien distinto. Esta película del director finés Aki Kaurismaki fue la segunda en nuestro ciclo (AQUI el enlace), despliega una manera de hacer reir desde lo evidente y absurdo, que en un contexto donde es prácticamente imporsible ver a ninguno de los personajes mostrar expresividad -ya no se diga sonreir- resulta de lo más eficiente y atractivo. Y tocando aquello de lo inexpresivo, pareciera que esta aparente falta se compensa con los extrafalarios atuendos de los personajes: copetes que harían sonrojar a Jarmush (quien por cierto tiene un cameo en la peli, y es amigo de Aki), botas igualmente picudas, y lentes de sol para toda ocasión; curioso en un país donde rara vez hay sol, situación que por otra parte es perfectamente congruente con lo lacónico de la cinta. Por otro lado, la cinta hace evidente las relaciones de clase entre sus personajes, al grado que a los que les toca estar del lado jodido de la balanza acaban plenamente identificados con México, donde por cierto su música originaria pareciera tener mucho más sentido.
Y al parecer uno puede beber tequila directamente del maguey.
I'm not there plantea sin embargo la relacion, de clases, de sexos, de razas, de edades y vaya usted a saber qué más usando la figura de un ícono del rock: Mr. Bob Dylan. Esta es quizá la peli que mejor ejemplifica la intención que quisimos darle a este ciclo. Pero eso será material de nuestra siguiente entrada, mismo blog, mismo cineclub... los esperamos!!!!
¡Los zombies llegan a Cooperativa Tzikbal! y lo hacen en forma de.... pues de ¡zombies!
Además de una guerra de disfrazas, bebidas sangrientas y, ¡claro! una estupenda selección de películas y series de tv. para los mejores gustos zombiferos. Acá la programación de este ZOMBIE FEST:
1 pm: Days gone bye (Capítulo piloto de The Walking Dead., 2010, 70. min.)
The Walking Dead es una serie de TV de reciente estreno que está basada en el exitoso comic, del mismo nombre, de Robert Kirkman, Tony Moore y Charlie Adlard. Dicho comic ya va superando los 80 números y sale periodicamente desde el año 2003.
La serie, aunque incomparable con el comic sobretodo cuando se vuelca en una telenovela a la mexicana (sí, con engaños, lagrimas y bastante histeria), no deja de ser disfrutable; sobre todo si se considera toda la faramalla publicitaria que se le dio y que nos puede llevar a preguntar ¿De donde tanto gusto actual por estás criaturas mal olientes?
Imagen del comic The Walking Dead
2:30 pm: American Zombie (Grace Lee, 2007, 90. min.)
Mucho ha cambiado entre los zombies haitianos esclavos-trabajadores en los campos de caña de azúcar y los zombies-esclavos-sindicalizados. De los primeros encontramos documentales en National Geographic y libros de antropología (sí, cuando quieran les pasamos la bibliografía). De los segundos... ¡También tenemos un documental! Justamente: AMERICAN ZOMBIE. Algunos zombies han logrado "con-vivir" con los vivos y luchan activamente por crear sindicatos a favor de sus hermanos menos privilegiados que son explotados, aunque usted no lo crea, ¡peor que mexicanos en fábricas! Los zombies tendrán derecho a hacer un reventón digno de cualquier banda rockanrollera viva. Así que, ¡a ver está película!
¡Los zombies sólo queremos diversión!
4 pm: Presentación de blogs, charlas zombiferas y música zombie.
Harta banda clavada y con intereses bastante muertos se juntará en este ZOMBIE FEST. Y es que, a los zombies, hay que tomarlos en serio sino para que tanta faramalla.
Tendremos la presentación de varios blogeros —e invitamos a los que así lo deseen— que se central en el tema zombie: desde la sobreviviencia en un escenario zombie-apolaliptico hasta la "Philosophical zombie" ¡¿Qué eso no existe?! Vaya que sí ¿¡Qué no hay banda tan clavada?! No han visto nada, ¡no falten a esto!
Por otro lado, si USTEDES son los clavados, ¡vengan con sus libros, blogs, fotos, tips de sobrevivencia y todo lo que se les venga a la mente con la palabra "ZOMBIE"!
6 pm: 1er. Capítulo de Dead Set (Escrito por: Charlie Brooker, 2008, 45min.)
Antes de The Walking Dead ya se había hecho una serie sobre zombies: DEAD SET. El argumento: Una bola de personajes encerrados en una casa de Big Brother ni enterado están de un ataque masivo zombie que los rodea. De la frivolidad a unas mordidotas sangrientas. Les aseguramos que después de ver el primer capítulo se van a quedar bien picados como un zombie comiéndose a una güera en minifalda.
La Adela Micha de Dead Set (con mejores costumbres)
7pm. Night of the Living Dead (George Romero, 1968, 96min.)
Bueno... es tanto lo que se puede decir de esta película que parece ser innecesario. Romero, padre de los zombies "hollywoodenses", los dio a luz justamente en esta maravilla de los años 60´s. Así que, con esto empiezan los zombies y termina el ZOMBIE FESTde la Cooperativa Tzikbal (que seguramente tendrá una segunda edición).
¡¿QUÉ TAL?!
¡Los esperamos el viernes 12 de agosto a partir de la 1pm en Cooperativa Tzikbal!
En esta ocasión nos daremos el gusto de ver la doble actuación de Irène Jacob, sofisticado deleite visual, que además permite tocar el tema de los dobles tangibles, malvados, tristez o simplemente raros.
La bella durmiente se queda corta.
Weronica y Veronique: La doble vida de Verónica (1991), primera obra del director polaco Krzysztof Kieślowski en ser filmada parcialmente fuera de su país. Esta cinta fue musicalizada por su inseparable Zbigniew Preisner, quien también ha trabajado con Coppola y Vinterberg, personaje de nombre más bien ilegible y partituras que envuelven en una fantasía onírica, habitada por delicadas bailarinas de porcelana, a cargo del marionetero y escultor americano Bruce Shwartz, quien como dato curioso, no hace secreto que son sus manos desnudas quienes dan vida a sus creaciones.
Balla, balla ballerina.
En suma la película es una joyita, y los esperamos este 10 de agosto como, a las 6:30pm —como todos los próximos miércoles— a pensarla, verla, platicarla, y seguir haciendo del cine un acontecimiento. La cita es en Cooperativa Tzikbal (Pabellón Copilco: Eje 10, local b 225, 2do. piso, frente Superama Universidad). Cuota de recuperación: $15 pero función o 4 sesiones por $50).
